Aurélie Quentin
" L'art de l'Oisiveté "
Artiste française d’origine Italo–Russe, Aurélie Quentin naît et grandit sur l’île de la Réunion, terre de brassage culturel. Elle travaille le portrait figuratif au travers de grands formats, peints à l’huile, présentant une jeunesse rebelle, métissée, dans un décor urbain souvent exotique.
Aurélie Quentin is a French artist with Italian and Russian roots. She was born and raised on a tropical island nearby South Africa called La Réunion. The artist expresses her creativity through large figurative portraits. With oil painting, Aurélie Quentin shows a rebellious and mixed youth in an urban and often tropical context.
Un contexte tropical et décalé
A Tropical & Ambivalent Context
A la Réunion, son œuvre picturale, est nourrie par le kaléidoscope des couleurs tropicales, la brutalité de la lumière mais aussi l’étonnante légèreté qui s’en dégage. Les personnages de la jeune peintre évoluent dans des scènes de la vie de tous les jours, des moments simples, qu’elle magnifie sur la toile.
Une certaine incongruité est perceptible et révélée par une attitude, un détail, sorte de pied de nez à une uniformisation d’un bon goût aseptisé.
Une certaine incongruité est perceptible et révélée par une attitude, un détail, sorte de pied de nez à une uniformisation d’un bon goût aseptisé.
The kaleidoscope of tropical colours, the brutality of light as well as the delicacy coming from it nourishes her pictorial work. The young artist’s characters stand in ”everyday life” sceneries, laid back’s instants, which are magnified on canvas.
A sort of incongruity is noticed through an attitude, a detail that kind of criticises the standardization of taste.
A sort of incongruity is noticed through an attitude, a detail that kind of criticises the standardization of taste.
Une jeunesse irrévérencieuse
Irreverent Youth
Dans le choix de ses personnages, l’artiste met en valeur le métissage qui, pour elle, est l’exacerbation de la beauté de l’homme.
Ses sujets se savent observés, un dialogue s’engage alors avec le spectateur. Ils ont dans l’attitude, un certain dédain, une certaine irrévérence, un certain sentiment intérieur de supériorité qui rappelle ces habitudes de familles nobles où l’on regarde de haut en bas.
Ses sujets se savent observés, un dialogue s’engage alors avec le spectateur. Ils ont dans l’attitude, un certain dédain, une certaine irrévérence, un certain sentiment intérieur de supériorité qui rappelle ces habitudes de familles nobles où l’on regarde de haut en bas.
When choosing her models, Aurélie Quentin leans towards multiracial, that represents for her the pinnacle of human beauty.
Her characters that know they are being watched, then engage a dialogue with the one looking at them. In there attitude lies a slight disdain, a slight irreverence, a slight inner feeling that call to mind these habits of noble families where we look up and down.
Her characters that know they are being watched, then engage a dialogue with the one looking at them. In there attitude lies a slight disdain, a slight irreverence, a slight inner feeling that call to mind these habits of noble families where we look up and down.
L’Art de l’Oisiveté
The Art of Idleness
Dans leurs expressions, les personnages des tableaux s’approprient un art de ne rien faire. Une oisiveté devenue tabou qui pourtant suscite l’éloge des philosophes depuis l’antiquité.
Sur ses tableaux, l’artiste, comme une allégorie d’un « lézardage » assumé, peint l’irrévérence d’une jeunesse qui revendique le plaisir simple de l’instant présent, d’un temps suspendu.
Elle parvient à faire ressentir au spectateur cet « état d’être » qui redonne à l’oisiveté ses lettres de noblesses. Le temps de l’inactivité est celui qui rend possible l’activité, d’inventer, de créer, de rêver, bref de nous soustraire réellement aux injonctions d’un dogme sociétal productiviste.
En contemplant les œuvres d’Aurélie Quentin, l’occasion nous est offerte de questionner un « droit à la paresse », un droit à la légèreté et au temps perdu.
Sur ses tableaux, l’artiste, comme une allégorie d’un « lézardage » assumé, peint l’irrévérence d’une jeunesse qui revendique le plaisir simple de l’instant présent, d’un temps suspendu.
Elle parvient à faire ressentir au spectateur cet « état d’être » qui redonne à l’oisiveté ses lettres de noblesses. Le temps de l’inactivité est celui qui rend possible l’activité, d’inventer, de créer, de rêver, bref de nous soustraire réellement aux injonctions d’un dogme sociétal productiviste.
En contemplant les œuvres d’Aurélie Quentin, l’occasion nous est offerte de questionner un « droit à la paresse », un droit à la légèreté et au temps perdu.
The models appropriate an art of doing nothing. Idleness now taboo, while being praised by philosophers since antiquity.
Her painting, as an allegory of an assumed chill, portrays an irreverent youth claiming the simplicity of happiness.
The features of her brushes draw a “state of being” that gives back nobleness to lazing around. The time of inactivity is the one giving birth to activity, innovation, creation, and the one that allows us to really draw back from the pressure of a productivist societal dogma.
When contemplating Aurélie Quentin’s work, one is being offered an opportunity to think about a right to laziness, a right to lightness and about a certain « lost time ».
Her painting, as an allegory of an assumed chill, portrays an irreverent youth claiming the simplicity of happiness.
The features of her brushes draw a “state of being” that gives back nobleness to lazing around. The time of inactivity is the one giving birth to activity, innovation, creation, and the one that allows us to really draw back from the pressure of a productivist societal dogma.
When contemplating Aurélie Quentin’s work, one is being offered an opportunity to think about a right to laziness, a right to lightness and about a certain « lost time ».
